一、音樂是重中之重
 
預告片牛不牛，音樂權重占70%以上。
 
一段旋律有范，節奏變化豐富的音樂，是動作電影預告片的核心。適用于所有類型的電影預告片。
 
剪輯技藝再牛，音樂平庸，預告片就平庸；音樂品位高，曲子編輯的好（音樂不是拿來直接一整條用的，需要經過延長、縮短、拼接、變速、變音等處理），那么剪得糙一點都沒關系。
 
音樂是最直觀給你“感覺”的東西，2分鐘的音樂包含著巨大的情緒流，一個字也不用講，音樂一起，就能讓你感到“興奮”“感動”“愛情”“幻滅”“哲學”“宗教”“緊張”“恐懼”“壓抑”等情緒，這些抽象的大主題里面又能細分出無數具體的意象。
 
而畫面和對白，在預告片的幾分鐘時間里，只能呈現出零星的“信息”。
 
所以，音樂最關鍵。
 
 
二、剪輯技巧
 
先明確一點，剪預告片時，幾個鏡頭剪成一組，幾組鏡頭構為一幕，三幕或者四幕就能組成一條完整的預告片。
 
 新來的剪輯師往往會出現“剪得比較亂”的問題，為什么？
 
1、一組鏡頭只需說清楚一個意思。如果你加入了不是這個意思的鏡頭，就會突兀。顯得亂。
 
2、一組鏡頭講完后，再去講下一組鏡頭，邏輯上或者情緒上要有承接或者遞進。新手會瞎跳亂跳，一組鏡頭還沒講完就開始下一組鏡頭。
 
3、幕與幕之間，要有大的邏輯串聯。
 
 
 
 下面說的剪輯技巧，都是以組為單位。
 
1、鏡頭之間的視點和動勢最好接上。
 
A視點就是視覺重點，上個鏡頭的視點結束在畫面左側，下一個鏡頭的視點就盡量從左側起。
 
B動勢變化要順。這個看具體情況處理。如果你僅僅把動勢順著方向或者快慢“接上”，那么看起來雖然舒服，但是有些楞。好看的動勢要像書法。有斷有連，有急有停，有粗有細，有開有合。這個看感覺了。
 
2、根據音樂，普通鏡頭的剪輯要故意不壓在節奏上，只把重要鏡頭壓在節奏上。
 
所有鏡頭全壓著節奏上，第一很楞，第二看起來像MV，第三（也是最重要的）你每個鏡頭都壓在節奏上，到了牛鏡頭或者該強化的鏡頭時，再壓在節奏點上就沒那么好了，效果就出不來。
 
這樣是先抑后揚的一種做法。
 
 
 
3、 “刺激——反應”鏈條。
 
 
 
劇情片里，說出的一句話，要接住。（用別人的反應、事件、另一句話等來接）
 
愛情片里，拋出的一個媚眼，要接住。（別人的媚眼，幸福的表情等來接）
 
 
動作片里，射出的一顆子彈，要接住。（東西被打爛，炸彈爆炸，人死亡等來接）
 
 
“刺激——反應”鏈條，是一組鏡頭最常用的敘事方式之一。給了刺激就一定要有反應，一組鏡頭才有結束感，結束之后再開始下一組鏡頭。路一步一步走，話一句一句說。新手剪片子，最常犯的毛病就是給了刺激，沒反應。不知道怎么就到下一組鏡頭了。就好像你給別人講故事，每句話都講一半，觀眾不知道哪里出了問題，只覺得不舒服、不好，其實是你挖的坑沒填上，絆到觀眾了。
 
 
 
4、跳切、快放、快閃夾黑幀、慢鏡頭
 
鏡頭節奏要變化：幾個快的，就插一個慢的。幾個近景，來一個遠景。幾個格斗，加個大場面。幾句對話，來個爆炸……永遠要給出變化，要有能量的起伏。帶觀眾做過山車。
 
有時人物動作慢我會跳切或適當快放，顯得有力一些。快閃夾黑幀這塊，《匹夫》先導預告1分10秒處有例子，學生服日本刀砍人。
 
 
 
5、如果一場戲很牛，就整場放。（并不是說你不去處理它）
 
國外預告片最愛用的技巧，為什么？因為人家電影拍的牛，場面撐得住。
 
常常最后一個鏡頭（就是最高潮那個），就用片子里的一個牛逼的場景鏡頭做結尾。不像我們，用高速剪輯或者凌厲的剪輯堆砌出一個高潮來。《獨行俠》的許多款預告片都是這么干的，一整場動作場面碼上去。很過癮。
 
6.、起高潮之前壓低，高潮后要安靜，再起更高的高潮。
 
 
 
通常，開槍爆炸之前，我們會剎住音樂，讓整個音響安靜下來，說句話或者什么的，再起開槍或爆炸。這樣做是為了讓高潮顯得更高更有力。通過能量差產生對比，做強效果。
 
三、音響音效設計
 
 
 
評論里有位朋友說覺得音效最關鍵，實際上，沒有最關鍵的，所有的步驟都是關鍵。創意、剪輯、音樂、音效、特效等方面全都做到高完成度，才能出一支好預告片。
 
好萊塢預告片的音效使用量是非常小的，隨便打開一支好萊塢大片的預告，旁白和音樂占音響總量的90%，只有在關鍵的地方才有一兩個音效。他們最重要的是對白，對白一起，音樂都會降好幾個量級。
 
好萊塢重故事，而且好萊塢演員的念白都很棒，隨便一句話都可以撐起來，加上電影畫面牛，音效這種東西要你用好音響才能感受的到，所以想要看預告片真正的音響設計，還得去電影院里看前面的貼片。（imax版本的《007幽靈黨》，前面有《火星救援》的全長貼片，那個錄音水準和音響設計水平可以說是世界最高水平了，建議去看）
 
 話說話來，音響設計涉及到的聲音層次有三層：音樂、旁白、音效。原理是：“此起彼伏，有起有伏”。
 
 
 
1、有起有伏
從大的音樂結構來看，必須做到“有起有伏”，音樂的能量不要一直高或一直低，需要變化。一般做音樂，同一個旋律走兩小節，就要變化。要遞進、中斷或者旋律發生變化。否則觀眾看的時候會疲。
 
 
 
2、此起彼伏
 這里主要指音效和對白需要此起彼伏，簡單來說就是“有音效的地方別有對白，有對白的地方別有音效”“音效和對白不要打架”。這個以剪輯師為主，在剪輯時就應該注意，音響設計師做輔助。
 
觀眾在一定時間流里面能夠注意到的信息是有限的，預告片屬于高強度的信息流，對于觀眾注意點的設置一定是排列有序而不是擠在一起的。
 
所以大家看標準范式的好萊塢預告片，大的節奏設計通常是固定的：“說幾句話”+“插個音效”， 完成一組鏡頭。對應剪輯就是：幾個敘述鏡頭加對白或旁白+能出音效的鏡頭。
 

3、其他
 
音響在頻率上大致有“高、中、低”三個頻率段，許多新的預告片公司作品，往往聽起來不夠飽滿、音效怪怪的、銜接不夠順滑。原因有三。
 
一是忽視了氛圍音，主要是低音的填補。有一些耳機幾乎聽不出來的長長的“嗡”“嗚”的低音，我們是會隨著音樂能量的起伏，壓在音樂下面。這一層很重要，缺少了就會讓音響變得很“薄”。
 
二是音效的融合度不夠。同一個聲音，比如開槍的聲音，樂庫里面可能有一千種音效，你要找到能夠融合進整體音響里面的那一個。找不到，就試，試不出來就自己做變音處理，把它融合進去。融合度低的音效，就像一段光滑木板上面的倒刺，很扎手。
 
三是銜接處理要順滑。一部電影預告片會用到好幾段音樂，成百上千種音效。這么多的元素拼在一起，要把他們的接縫處打磨順滑，不扎耳朵。
 
 
大概就是這些。上面說的技術和技巧偏多，實際上能夠直接帶來一些外部的感官刺激，屬于比較表層的易學易上手的東西。真正學的比較慢的、難搞的，還是內在的東西，牽扯到特別多的故事原理和編劇原理，像如何做懸念、做矛盾沖突、做對抗、講故事、加強帶入感，如何把握劇透和吸引人之間的平衡等等。